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A cura di Valeria Zanier e Wen Yan

Valeria Zanier, professoressa associata presso l’Università di Bologna, è tra i curatori della 
ùselezione Sinofonie dell'Ennesimo Film Festival dal 2025.

Yan Wen, docente di lingua cinese presso l’Università di Bologna, è tra i curatori della
selezione Sinofonie dell'Ennesimo Film Festival dal 2026.

Quando si parla di Cina contemporanea, una delle immagini più ricorrenti è quella di una società che lavora senza sosta. Lunghi orari, ritmi intensi, poche proteste visibili. Tuttavia, dietro questa rappresentazione c’è una realtà più complessa, alla base della quale c’è una dimensione più ampia – che potremmo definire di “performance” – che caratterizza trasversalmente un po’ tutte le società capitaliste avanzate del giorno d’oggi (si direbbe proprio che quelle a noi più geograficamente e culturalmente vicine non fanno eccezione). Non si tratta però di una realtà statica e immutabile, bensì di dinamiche che si incontrano e scontrano con una società in rapida trasformazione. Come è noto, dalla stagione delle riforme di mercato – avviate da Deng Xiaoping alla fine degli anni ’70 – in poi, la Cina ha conosciuto una  crescita economica straordinaria. Ne è nato però un modello di sviluppo basato su una competizione sempre più intensa (a fronte di servizi sociali non sempre garantiti), ampia mobilità interna e nuove forme di precarietà urbana. Il successo individuale è divenuto un parametro di valore sociale.

La performatività a tutti i costi
Un elemento decisivo in questo quadro è stata la politica del figlio unico, in vigore dal 1979 al 2015. Intere generazioni di giovani sono cresciute come unici destinatari delle aspettative familiari. Non dovevano soltanto trovare il proprio posto in una società e in un mercato del lavoro in rapidissima trasformazione, ma anche realizzare i sogni dei genitori, spesso concentrati interamente su di loro. Se a ciò si aggiunge il fatto che il sistema educativo cinese è molto selettivo e “meritocratico” (ne parla Sabrina Ardizzoni in questa newsletter), in preparazione appunto a un ambiente sociale e lavorativo a forte competizione, è evidente la pressione che è pesata su questi giovani, che ora sono l’ossatura principale del tessuto sociale cinese. Purtroppo, l’aumento dei costi della vita, soprattutto del mercato immobiliare, ha aggravato l’“ansia da performance” dei giovani tra i 20 e i 35 anni (circa), che si sposano più tardi e faticano a “metter su famiglia”, specie quando avere una casa di proprietà rimane per molti una condizione imprescindibile per farlo. Un simbolo particolarmente efficace della cultura della performance è il cosiddetto sistema 996: lavorare dalle 9 del mattino alle 9 di sera, sei giorni alla settimana. Questo modello, diffuso in alcuni settori tecnologici, è diventato un emblema della dedizione totale al lavoro (imposta) e della conseguente compressione del tempo libero. Nonostante siano state annunciate e implementate alcune riforme per limitare questa pratica, essa rimane diffusa.

Risposte dai mondi della cultura
Se da una parte c’è un’idea preconcetta di una popolazione cinese confucianamente ligia ai doveri, in realtà la storia della cultura cinese è lastricata di conflitti tra aspettative familiari e sociali, da una parte, e desiderio individuale, dall’altra. Pensiamo che già nel Settecento, nel monumentale romanzo Il sogno della camera rossa, un po’ il “grande classico” della letteratura cinese di tutti i tempi, il protagonista Jia Baoyu rifiuta tenacemente il ruolo di erede e rampollo del patriarca della famiglia feudale in cui è nato, preferendo il ritiro e l’evasione alla gestione della proprietà e al matrimonio combinato. Oggi queste tensioni si esprimono anche attraverso nuovi linguaggi: post sui social media, video, performance artistiche. Molti giovani rivendicano il diritto alla propria soggettività, anche quando questa non coincide con l’immagine del “figlio modello” o del professionista di successo. Un caso singolare ma molto indicativo è il film di animazione Nezha, uscito nel 2019 e un immediato successo al botteghino. Sbarcato anche su Netflix, il film rilegge una celebre figura della mitologia tradizionale trasformandola in una storia contemporanea sul rifiuto del destino imposto. Il protagonista nasce infatti segnato da una profezia che lo condanna a diventare un demone distruttivo e, fin dall’infanzia, è emarginato e stigmatizzato da tutti. Contro queste aspettative, Nezha intraprende però un percorso di affermazione personale: invece di accettare il ruolo assegnatogli dal fato, sceglie di ridefinire la propria identità attraverso le proprie azioni. In questo forte messaggio di autodeterminazione individuale si trova una delle chiavi dello straordinario successo di questo film tra i giovani. Una menzione particolare merita la questione femminile. Anche in questo caso ha fatto scalpore un film, dal titolo internazionale Like a Rolling Stone (originale: Chuzou de juexin 出走的决心, La decisione di andarsene), questo invece del 2024. Diretto dall’agguerrita poetessa Yin Lichuan e ispirato a una storia vera, il film segue la vicenda di una donna che ha dedicato tutta la sua vita alla famiglia, sacrificando sogni e aspirazioni personali per adempiere ai ruoli di figlia (di un padre autoritario), moglie (di un marito violento) e madre (di una figlia richiestiva). Quando, dopo decenni di rinunce, decide di intraprendere un viaggio da sola, sceglie di privilegiare la propria autodeterminazione rispetto ai doveri familiari. Spesso paragonato a C’è ancora domani di Cortellesi, Like a Rolling Stone è però più riuscito ed efficace nel rappresentare l’emancipazione femminile non solo come un fatto simbolico e culturale, ma soprattutto come una questione economica, visto che la protagonista lotta strenuamente per ottenere un reddito che possa renderla indipendente prima di partire.

“Sdraiarsi” per ribellarsi
È nel contesto sin qui descritto che, intorno al 2021, è emerso il fenomeno tangping 躺平. Letteralmente significa “stare sdraiati”, ma è anche stato tradotto con “sdraiatismo”. Spesso definito una sottocultura giovanile, la sua diffusione nasce in gran parte online, a partire da forum e blog personali. L’idea è di rifiutare l’imposizione alla performance a tutti i costi e svolgere soltanto il minimo indispensabile, per poi semplicemente “sdraiarsi”, rinunciando alla rincorsa al successo personale. Non si tratta semplicemente di pigrizia o di rifiuto totale del lavoro, come vuole spesso l’accusa lanciata da indignati e bacchettoni media ufficiali di Stato. Piuttosto, il tangping è una rinuncia alla competizione estrema, una reazione ironica nei confronti della retorica del successo, un tentativo – simbolico, limitato, acerbo, ma comunque rilevante – di riappropriarsi della propria vita. In conclusione, da questi casi si può vedere come la società cinese sia estremamente sfaccettata, caratterizzata da complessità su più livelli e ben poco monolitica, nonostante spesso la si presenti come tale. Allenarsi a pensarla in questa complessità è fondamentale per capirla davvero. Sinofonie, la rassegna di film in lingua/lingue cinesi presso l’Ennesimo Film Festival in collaborazione con l’Università di Bologna e l’Associazione Sinomondi, si prefigge proprio il compito di dare qualche fotogramma di questa complessità.

a cura di Federico Picerni - Università di Bologna

Federico Picerni, ricercatore di letteratura cinese presso l’Università di Bologna 
e socio fondatore dell'Associazione Sinomondi, è tra i curatori della 
selezione Sinofonie dell'Ennesimo Film Festival dal 2022.

Disuguaglianza e diritto all’istruzione: la scuola rurale
Un punto di partenza imprescindibile è Non uno di meno, diretto da Zhang Yimou. Nel 1999 Zhang Yimou era molto conosciuto in Cina come regista della cosiddetta quinta generazione, ma anche all’estero, soprattutto grazie al suo primo lungometraggio internazionale, Lanterne rosse, che dal 1991, quando ha vinto il Leone d’argento al Festival del cinema di Venezia, lo ha consacrato come regista cinese globale. Ambientato in una scuola rurale povera, il film racconta la vicenda di una giovanissima supplente incaricata di “non perdere neppure uno studente”. In chiave comparativa, l’opera consente di riflettere sul nesso tra istruzione e mobilità sociale. La scuola appare fragile dal punto di vista materiale—banchi deteriorati, mancanza di risorse, edifici precari—ma simbolicamente centrale. Essa rappresenta il principale strumento di inclusione e di speranza in una Cina degli anni Novanta attraversata dalle profonde riforme economiche inaugurate da Deng Xiaoping con il programma delle Riforme nel 1979. La narrazione mette in luce diversi piani dell’esperienza educativa: la relazione diretta tra insegnante e studenti, le difficoltà economiche delle famiglie che talvolta costringono i minori ad abbandonare gli studi, l’intervento delle istituzioni pubbliche e la crescente presenza di attori privati. Sullo sfondo si intravede una cultura che attribuisce all’istruzione un valore identitario e collettivo, legato alla costruzione del futuro nazionale. La figura dell’insegnante—pur inesperta—incarna un elemento profondamente radicato nella tradizione culturale cinese: il rispetto per il maestro come guida morale e sociale. Per il contesto italiano, la visione del film può aprire una riflessione sulla dispersione scolastica, sulle disuguaglianze territoriali e sul ruolo dell’insegnante come mediatore tra scuola e comunità.

Competizione e identità: la pressione dell’esame
Se Non uno di meno rappresenta la scuola come spazio di accesso all’istruzione, Better Days, di Derek Tsang, mostra la scuola come spazio di selezione e competizione. Al centro vi è il gaokao, l’esame nazionale di ammissione all’università, percepito come decisivo nella traiettoria biografica degli studenti. Tenendo l’obiettivo sul gaokao, il centro della vita degli studenti, il film introduce temi come il bullismo, la competizione e le attese famigliari, ma anche di costruzione dell’identità giovanile. In prospettiva comparata, il film offre l’opportunità di riflettere sulle culture della valutazione. L’esame diventa un crocevia simbolico: non solo verifica delle competenze, ma meccanismo di regolazione delle opportunità sociali. Le aspettative familiari, l’ansia da prestazione e la competizione tra pari contribuiscono a definire un clima emotivo intenso. Il film, tuttavia, non si limita a denunciare la pressione; esplora piuttosto la costruzione dell’identità adolescenziale in un contesto altamente performativo. La scuola appare come uno spazio in cui si intrecciano relazioni tra pari, legami familiari e orientamenti istituzionali. Anche nel contesto italiano, pur con differenze strutturali, la crescente attenzione ai risultati, alle classifiche e alla performance rende questo confronto particolarmente attuale. La visione del film può stimolare discussioni sul significato del merito, sul benessere psicologico e sul rapporto tra successo scolastico e realizzazione personale.

Educazione e ideologia
Un ulteriore livello di riflessione emerge in Youth, di Feng Xiaogang. Il film affronta il rapporto tra formazione collettiva e costruzione politica durante gli anni della Rivoluzione culturale, un periodo di cui non si parla molto in Cina, e nemmeno in Italia, e, se lo si fa, se ne presenta una narrativa distorta dal pregiudizio e spesso in toni monocromatici. Qui la scuola —intesa in senso ampio come spazio di socializzazione —non è soltanto luogo di apprendimento disciplinare, ma anche ambito di interiorizzazione ideologica. La tensione tra collettività e individualità diventa centrale, così come il rapporto tra educazione e narrazione storica. In prospettiva di pedagogia comparata, questo film invita a interrogarsi su come ogni sistema educativo trasmetta valori, memorie e rappresentazioni del passato. Anche in Italia il rapporto tra scuola e memoria storica è oggetto di dibattito: quali eventi vengono enfatizzati? Quali prospettive risultano marginalizzate? Il cinema offre un terreno privilegiato per affrontare tali questioni in modo critico e dialogico. Un ulteriore contributo significativo alla riflessione sulla scuola come spazio di costruzione sociale è il documentario Please Vote for Me, diretto da Chen Weijun nel 2007. Girato in una scuola primaria di Wuhan, il film documenta un esperimento di elezione democratica del rappresentante di classe. Attraverso lo sguardo diretto sui bambini, sulle loro strategie persuasive e sull’intervento dei genitori, il documentario mette in scena la scuola come microcosmo politico. In prospettiva comparata, Please Vote for Me consente di osservare come concetti quali leadership, competizione e partecipazione vengano interiorizzati fin dall’infanzia. La dimensione elettorale, apparentemente semplice, rivela l’influenza delle famiglie, delle aspettative sociali e delle dinamiche di potere tra pari. La scuola emerge così non solo come luogo di apprendimento disciplinare, ma come spazio di socializzazione politica e di costruzione precoce della cittadinanza. Per la didattica italiana, il documentario offre un’occasione preziosa per riflettere su educazione civica, rappresentanza studentesca e processi democratici, stimolando un confronto critico tra modelli culturali diversi senza ricadere in giudizi stereotipati.

La scuola come laboratorio sociale
Nel cinema cinese contemporaneo la scuola emerge come spazio in cui si riflettono trasformazioni economiche, urbanizzazione, migrazioni interne e tensioni familiari. Essa accompagna il passaggio da una società prevalentemente rurale a una realtà globalizzata e tecnologicamente avanzata. Il confronto con il cinema italiano —film, ad esempio, come La scuola, o Scialla! —consente di evidenziare differenze ma anche affinità. Nel contesto cinese la scuola appare spesso come dispositivo di mobilità sociale regolato da logiche selettive; nel cinema italiano prevale una dimensione relazionale e dialogica, con maggiore attenzione alla soggettività degli studenti e alla quotidianità del rapporto educativo. Tuttavia, in entrambi i casi la scuola è attraversata da questioni comuni: disuguaglianze territoriali, ridefinizione dell’autorità docente, precarietà delle giovani generazioni, ricerca di senso. La comparazione non produce una gerarchia tra modelli, ma una comprensione più ampia delle diverse modalità con cui le società investono simbolicamente nell’educazione.

Conclusione: uno specchio condiviso
Nel cinema cinese la scuola non è una semplice ambientazione narrativa, ma un dispositivo interpretativo della società. Essa rende visibili disuguaglianze, aspirazioni, conflitti e speranze, offrendo agli insegnanti italiani uno strumento efficace per una didattica comparativa e interdisciplinare. Guardare questi film con gli studenti significa attivare un doppio movimento: osservare un contesto culturale diverso e, al tempo stesso, interrogare criticamente il proprio. In questo gioco di rimandi, la distanza geografica si riduce, e diventa possibile riconoscere che le domande fondamentali dell’adolescenza —sul futuro, sull’identità, sul valore dell’impegno —attraversano contesti culturali differenti. Forse è proprio qui che il cinema incontra la pedagogia: quando la rappresentazione della scuola non si limita a raccontare ciò che accade in aula, ma ci aiuta a comprendere come le società immaginano il proprio divenire.

a cura di Sabrina Ardizzoni
Sabrina Ardizzoni è tra i soci fondatori dell’Associazione Sinomondi. 
Ricercatrice di Lingua cinese presso l’Università per Stranieri di Siena, 
è membro del gruppo di selezione della rassegna Sinofonie all’interno dell’Ennesimo Film Festival dal 2022.

He Sui Pian e Feng Xiaogang
Siamo nei ruggenti anni Novanta del secolo scorso quando emerge il filone cinematografico degli hesuipian 贺岁片 i “Film di Capodanno”. Nel 1995 infatti, anche l’industria cinematografica viene riformata passando dall’economia pianificata all’economia di mercato: i finanziamenti non piovevano più dal governo centrale - che continuava a mantenere il controllo sull’uscita delle pellicole - ma toccava agli studios trovare chi li finanziasse! Uno dei più grandi innovatori di questo genere cinematografico è certamente il regista, produttore e sceneggiatore Feng Xiaogang 冯小刚 (1958). Esordisce nelle sale nel 1997, quando a Pechino si dava Titanic per 45 giorni consecutivi, con la commedia Jiafang, yifang 甲方乙方 (La fabbrica dei sogni): la storia vede quattro giovani che fondano un’azienda in grado di risolvere i problemi e realizzare i sogni dei propri clienti in un solo giorno. Le storie che si intrecciano variano dalla commedia alla satira, dal genere slapstick al dramma. C’è un po’ di tutto e il film è molto apprezzato al botteghino, secondo solo a Titanic. L’anno seguente Feng esce con un altro titolo Bu jian bu san 不见不散 (Non mancare!), sarebbe troppo semplicistico definirlo una commedia romantica: un uomo e una donna si incontrano per caso, si piacciono, ma a un certo punto le loro strade si separano a causa di alcuni eventi per poi ritrovarsi. Non è tanto la storia quanto la scrittura ironica e non banale di Feng che tiene il pubblico incollato allo schermo. In questa commedia ritorna con il suo attore feticcio Ge You (vincitore a Cannes come miglior attore per Vivere! di Zhang Yimou) e come protagonista femminile sceglie la bellissima attrice Xu Fan (sua futura moglie).

Gli He Sui Pian oggi
Facendo un “balzo in avanti” e giungendo ai giorni nostri, possiamo dire che gli hesuipian continuano tutt’ora ad essere un po’ il termometro di quello che piace al pubblico cinese, e i gusti sono molto cambiati! Ultimamente ad esempio, hanno avuto molto successo due generi di film diversi da quelli di Feng Xiaogang. Da un lato troviamo il genere mitologico, in forma o meno di animazione. In particolare la saga di Nezha, una scapestrata divinità combinaguai, è stata premiata ogni anno di uscita (2019 e 2025). Dall’altro lato troviamo due pellicole della comica, attrice e regista Jia Ling 贾玲 (1982), una delle rivelazioni più inaspettate del botteghino. Prima di questi successi, Jia Ling era conosciuta più che altro per essere una comica della TV primetime, con una forte presenza scenica, dalla lingua affilata e un corpo oversize. Jia nel 2021 esce con Hi Mom! e nel 2024 con YOLO: la prima pellicola è una commedia famigliare che gioca molto sulla nostalgia dei tempi passati e al tempo stesso parla del ricongiungimento famigliare, un tema molto caro nel periodo del Capodanno; la seconda, invece, è una commedia che parla del corpo della donna, anzi, dell’attrice. Jia Ling oltre a essere la regista è anche la protagonista di YOLO e in questo film, che parla di emancipazione, trasformazione e crescita, la protagonista passa da essere una donna obesa, disoccupata e svogliata a diventare una pugile in perfetta forma grazie alla sua forza di volontà. Oltre al messaggio “se vuoi puoi” un po’ semplicistico, il film ha fatto molto discutere poiché il cambiamento fisico mostrato nel film è quello reale dell’attrice. Quando il film è uscito, il dibattito pubblico in Cina era ancora sulla lunga coda del Me Too e di altri dibattiti femministi, anche per questo ha accesso nuovamente i riflettori sul corpo della donna e infiammato i commenti online e offline.

Che cosa guarda il pubblico cinese
Siamo nel 2026, e il botteghino ci parla ancora di un altro cinema e di un altro pubblico. Zhang Yimou, il regista immortale dai mille volti, presenta un thriller incentrato sul tema della sicurezza nazionale, una tematica di attualità e sensibile, tanto sensibile che il film è girato sotto l’egida del Ministero. Troviamo poi il genere wuxia, i film di cappa e spada, che non passa mai di moda, in formato film e animazione. Infine torna il franchise sulle corse d’auto Pegaso 3, con protagonista Sheng Teng 沈腾 (1973), un altro grande interprete moderno della comicità cinese. Sarà interessante poi vedere a fine anno se è stato proprio uno di questi a vincere il botteghino come è stato lo scorso anno per Ne Zha 2. Se ora siete arrivati a leggere sino a qui e questo articolo vi ha un po’ incuriosito su questo genere-non-genere degli hesuipian, allora vorremmo consigliarvi un titolo, di facile reperibilità, dal quale iniziare: il film è ovviamente di Feng Xiaogang e si chiama Un funerale dell’altro mondo (大腕), protagonisti sono Ge You, il suo attore feticcio, e Donald Sutherland, sbarcato per l’occasione a Pechino. Per non spoilerare la storia, ci limiteremo a dire che dove c’è un funerale di mezzo….c’è sicuramente da ridere a crepapelle. Buona visione!

a cura di Clara Longhi
Clara Longhi è docente di Lingua cinese presso l’Università di Bologna e SSML Carlo Bo Milano, 
socia fondatrice dell'Associazione Sinomondi, curatrice della selezione Sinofonie dell'Ennesimo Film Festival dal 2022.

Stefano Cutaia - direttore del doppiaggio

Parliamo di te. Com'è iniziata la tua storia con il doppiaggio?
Io ho una formazione prevalentemente teatrale, quindi il doppiaggio non era nelle mie prospettive. Poi a Parma aprirono un corso di doppiaggio con Mario Maldesi come insegnante. Io non sapevo chi fosse all’epoca, però i miei genitori me ne parlarono ed è stata la svolta, perché facendo il corso con Mario Maldesi mi sono innamorato di questo mestiere.

Come sei passato dal doppiaggio alla direzione del doppiaggio?
Inizialmente ho doppiato, poi ho provato a mettermi alla prova con alcuni provini. Il tipo di vita che avevo e le mie prospettive, però, mi impedivano di intraprendere quella strada. Per questo motivo non ho fatto il doppiatore. Comunque, avendo io delle competenze da regista teatrale, ho iniziato a fare delle lezioni dove insegnavo doppiaggio e piano piano mi sono sensibilizzato su che indicazioni bisognava dare ai doppiatori per doppiare al meglio. Quindi, mettendo insieme le mie competenze da regista teatrale con questa esigenza di insegnare e di spiegare cosa bisognava fare per raggiungere risultati, praticamente mi stavo identificando come direttore. Per cui un giorno ci siamo proposti al nostro primo cliente, Yamato Video, e loro hanno visto in noi un potenziale, affidandoci uno dei primi lavori in cui è spettato a me il compito della direzione del doppiaggio.

Non è scontato, dunque, il passaggio da doppiatore a direttore.
No, non è per niente scontato. C’è chi è portato ad eseguire, a fare - anche mettendoci del suo in termini di creatività - e c’è chi è portato anche solo a dirigere e non fare; c’è chi è portato a fare entrambe le cose. Dipende dalle attitudini di ognuno.

Qual è in generale il lavoro di direzione che ti porti nel cuore, a cui sei più affezionato?
Sono molto affezionato al lavoro che abbiamo fatto per Yamato Video in Carletto il Principe dei Mostri. Noi abbiamo curato la seconda stagione - chiamiamola così, anche se il termine è scorretto perché in Giappone gli episodi uscirono tutti insieme. In Italia uscì negli anni Ottanta solo una parte degli episodi per motivi di diritti. L’altra parte fu affidata a noi nel 2019. È un lavoro che porto nel cuore perché fu molto divertente e mi permise di avere a che fare con tanti professionisti rinomati nonostante fossimo uno studio di doppiaggio poco conosciuto. Questo mi diede una grande spinta e una grande soddisfazione.

Da direttore, che cos’è per te un buon doppiaggio?
Secondo me un buon doppiaggio è un doppiaggio che “si regge in piedi da solo”. Mi spiego: è un doppiaggio che non è figlio dell’immagine o del doppiaggio originale; è un doppiaggio che potresti ascoltare senza vedere le immagini risultando comunque credibile. È un po’ come se i doppiatori dovessero rifare “da zero” il lavoro. Si sente, in questo caso, che i doppiatori e le doppiatrici sia acusticamente che empaticamente ci stanno mettendo del loro, permettendo al doppiaggio di funzionare anche senza il supporto dell’immagine.

Che ruolo ha secondo te la voce dentro il suono complessivo del film?
Dipende molto dal prodotto. Ci sono prodotti dove il dialogo è fondamentale, mentre in altri regna l’immagine o il resto del sonoro. Pensiamo ad esempio ai film muti che vengono fatti ancora oggi. Bisogna innanzitutto capire l’intento dell’autore originale. Diciamo che nell’ottanta percento dei casi il dialogo la fa da padrone, quindi la voce per me è fondamentale, così come la comprensione di quello che viene detto. Un difetto che riscontro spessissimo dagli anni Duemila in poi è che si dà molto più risalto a livello di volume alla colonna sonora. Capita di ascoltare un film e di dover abbassare il volume quando ci sono
musica e effetti sonori per poi rialzarlo quando arriva un dialogo. Ecco, questo è un errore che non si dovrebbe fare. Bisognerebbe fare in modo che il dialogo, che descrive e che è protagonista, sia in primo piano o, perlomeno, allo stesso livello del resto. Sempre ricordando che la voce è protagonista dove l’opera lo richiede.

C’è una ragione per cui avviene questo tipo di sbilanciamento fra voci e resto della colonna sonora?
Sì, sono ragioni produttive. La tecnologia dell’audio è migliorata tantissimo dagli anni Ottanta in poi e in un qualche modo si è creata un’usanza per cui questi suoni si debbano sentire bene perché sono fatti bene. È come se scoprissi un nuovo giocattolo e iniziassi a giocarci di più. C’è stato un grande investimento nel sound design negli ultimi anni, che si sente nel modo in cui i prodotti suonano. Poi non dimentichiamo l’importanza dell’essere passati da un semplice ascolto stereo al Dolby Surround. Tutto questo ha portato a un impoverimento dell’importanza del dialogo che esce solo da un canale centrale, mentre il resto del film esce da altri canali laterali e retrostanti. Se non si fa un buon lavoro di livellamento, anche andando a rinunciare a un ascolto eccessivamente dettagliato del suono, rendendolo più impastato e più omogeneo, allora si manca l’opportunità di fare un lavoro ideale. È come se
noi vedessimo una versione de La Gioconda in cui Leonardo Da Vinci avesse dipinto con colori più accesi lo sfondo solo perché era bello.

Quali sono i tuoi criteri per trovare il giusto cast di voci?
La premessa è che bisogna scegliere fra professionisti già capaci e affermati. Detto questo, bisogna trovare una voce che corrisponda all’immagine del personaggio, come se quella voce stesse davvero uscendo da quel personaggio. In più ci sono anche delle peculiarità di alcuni professionisti che incidono sulla voce che possono offrire al personaggio, facendolo rendere al meglio. Poi conta molto nella scelta delle voci l’equilibrio che possono avere fra loro in una scena. È come quando si compone un’orchestra: da una parte ho i violini, dall’altra gli ottoni… Devo creare un’armonia, sia a livello sonoro sia a livello interpretativo.

A proposito, se la colonna sonora fosse un’orchestra, la voce che strumento sarebbe?
La voce risalta, stacca un po’. Banalmente, mi viene da dire che se stessimo ascoltando un’opera lirica, la voce sarebbe il cantante (ride). Lo so, non è un paragone molto stimolante, ma così è. La dimensione della musica e della parola sono dimensioni molto diverse. Rimangono separate e distinte, seppur armonizzandosi.

Qual è un film o una serie tv che ti sentiresti di consigliare come esempio fulgido e brillante di doppiaggio?
Sicuramente attingerei al passato. Non perché non ci siano lavori moderni pregevoli, ce ne sono tanti: Game Of Thrones, ad esempio, è fatto molto bene. Però, se devo cercare qualcosa di fulgido come mi chiedi, posso citare a mani basse il lavoro di Qualcuno volò sul nido del cuculo, un lavoro incredibile che richiede un’interpretazione attorale magistrale.

Cosa suggeriresti alle insegnanti e agli insegnanti delle scuole sull’ambito del doppiaggio?
Io credo che il doppiaggio abbia una validissima funzione per far comprendere il ritmo del dialogo e, quindi, della relazione fra le persone. Ogni relazione ha una sorta di ritmo, come quello musicale. Quindi va compreso e il doppiaggio aiuta a comprendere il ritmo emotivo di quello che ci diciamo, a entrare nel senso della risposta, che racchiude sempre un pensiero, un’elaborazione emotiva e mentale. Credo che un insegnante se comprende questo possa usare lo strumento del doppiaggio per far comprendere agli alunni che ogni dialogo ha non solo le parole, ma anche pensieri, emozioni, ritmo. Riguarda le relazioni che abbiamo con gli altri e con quello che ci circonda.

Il 1927 segna uno spartiacque: con The Jazz Singer, il cinema smette di essere muto e trova la sua voce attraverso il canto. Questo evento segna la nascita del musical, un genere che non ha solo cambiato il modo di andare al cinema, ma ha ridefinito le regole della narrazione visiva, fondendo l'operetta europea con l'energia del jazz e del blues americano. Fino a quel momento la musical comedy o musical theatre, nel cinema poi abbreviata in musical, consisteva in uno spettacolo teatrale adattato al gusto e costume americano.
Grazie all'evoluzione tecnica del sonoro nel cinema, in concomitanza con la grande crisi economica del 1929, il musical si sposta dal teatro al grande schermo garantendo la sopravvivenza del genere e consacrandolo a fenomeno di massa. I primi musical cinematografici si ispirano ai grandi successi di Broadway che vengono adattati per il nuovo medium. Purtroppo le difficoltà tecniche dovute alla ripresa dei film sonori – la registrazione del suono all'epoca era solo in presa diretta e la cinepresa era fissa – disperdono la magia del palcoscenico. È necessario ripensare il musical in modo da adattarlo meglio al cinema e questo è il caso del "Backstage Musical", dove si raccontano la costruzione di uno spettacolo e si utilizza l'escamotage metateatrale per inserire numeri e coreografie (42nd Street).

Gli anni '30 rappresentano invece il momento del Dance Musical, film musicale dove il ballo è protagonista. Questa è l'epoca dello swing e del tip tap, sullo schermo svettano grandi ballerini come Shirley Temple e la coppia Fred Astaire e Ginger Rogers. Sul finire degli anni Trenta e l'inizio degli anni Quaranta comincia l'era dello Studio System. Mentre escono i primi musical d'animazione (Biancaneve 1937, Fantasia 1940), The Wizard of Oz (1939) diventa il musical più famoso di tutti i tempi. Realizzato con la tecnica del Technicolor, il Mago di Oz apre la strada ad una produzione cinematografica massiccia caratterizzata da costumi sgargianti, ritmi sostenuti e scenografie in studio (altro esempio: Singin' in the Rain, 1952).

Durante gli anni Sessanta Broadway ritorna a farsi sentire portando sullo schermo trasposizioni cinematografiche di suoi grandi successi: è l'era del Broadway Musical (West Side Story, 1961; The Sound Of Music – Tutti insieme appassionatamente, 1965). Gli anni Settanta segnano una svolta radicale con l'ingresso del rock nel musical cinematografico. Nascono le Rock Opera, adattamenti di concept album che portano sullo schermo il sound della controcultura giovanile: Jesus Christ Superstar (1973) e Tommy (1975) ne sono gli esempi più emblematici. Parallelamente, il genere si contamina con la cultura pop e la disco music dando vita a film come Saturday Night Fever (1977) e Grease (1978), che diventano fenomeni culturali di massa e rilanciano il Dance Musical in chiave contemporanea.

Gli anni Ottanta vedono invece una crisi del musical cinematografico. Le produzioni si rarefanno e il genere fatica a trovare una sua identità nel nuovo panorama cinematografico. Alcuni tentativi isolati come Fame (1980), Flash dance (1983) e Footloose (1984) mantengono vivo l'interesse per la danza urbana e contemporanea, ma senza il fasto delle produzioni precedenti.

Le mille identità del mondo digitale

a cura di Andrea Signorelli*

Stefano Ciammitti - costumista

*header image by © Federica Bettocchi FCP 25 STEFANO CIAMMITTI 

Ci parli del tuo percorso di formazione?
Io ho avuto la fortuna di avere questo maestro incredibile, Piero Tosi, che è stato il più grande costumista della storia del cinema, accanto a Danilo Donati. Sin da quando ho fatto la selezione per entrare al Centro Sperimentale (e poi durante le lezioni) lui “recitava”: era spietato, faceva piangere gli studenti con degli insulti. Ora non si potrebbe più fare, ma aggiungerei “purtroppo” perché in realtà quel comportamento era propedeutico all’inserimento nel mondo del lavoro, aiutava a capire in quali condizioni avremmo potuto trovarci a lavorare in una produzione. Lui lo ammetteva: lo faceva per renderci in grado di sopportare l’enorme pressione che avremmo incontrato sul lavoro. E aveva ragione. Poi nel privato era una persona dolcissima, ma questo modo di insegnare mi ha aiutato tantissimo. Se dovessi dare un messaggio a degli aspiranti costumisti, infatti, direi proprio questo: cercate di capire se avete un carattere giusto, e con questo intendo di capire se siete in grado di non avere solo pensieri negativi, di non abbattervi, di imparare dai vostri errori. Bisogna essere dei pirati. Poi chiaramente la parte di formazione è importante e il Centro Sperimentale è stato fondamentale per me perché anche se è strutturato in modo diverso dall’università (non ci sono esami, etc.) mi ha stimolato a progredire e ad imparare sollecitando la mia voglia di fare. Per riuscire a fare questo mestiere bisogna voler conquistare il mondo, bisogna voler fare tutto, realizzare tutto. Comunque ci sono moltissime scuole valide che si possono frequentare; l’importante è non farsi condizionare dall’esame, dal voto.

Se dovessi scegliere un costume della tua carriera da esporre come il tuo preferito, quale sarebbe?
Il costume per me più bello, più riuscito, quello a cui sono più affezionato, l’ho realizzato nell’ultima stagione di La legge di Lidia Poët che ancora non è uscita! Perché possiate riconoscerlo vi dico che è un costume di tartan Harrys Tweed bianco e nero unito a un tessuto di Bevilacqua che si chiama Gotico, anch’esso bianco e nero ma con dei motivi che danno l’illusione di vedere delle facce che in realtà non ci sono.

Il 24 gennaio si celebra la Giornata Internazionale dell’Educazione. Chi di noi non ha avuto un insegnante, un maestro, una professoressa che vorremmo ringraziare personalmente per quello che ci ha dato? Qualcuno che ci ha fatti sentire visti e ascoltati per la prima volta o che ci ha dato la sicurezza di perseguire le nostre passioni secondo le nostre attitudini? Queste figure sono uno dei capisaldi della società, spesso dimenticati o sottovalutati: con salari inadeguati, concorsi che sono un incubo burocratico e genitori sempre più coinvolti, nel bene e nel male, nella vita scolastica dei propri figli, il ruolo dell’educatore vanta però di una rappresentazione cinematografica quasi agiografica, dove sono rappresentati come veri e propri mentori, che educano alla vita e ai valori morali.  Il cinema dunque ci propone delle visioni in cui la figura dell'educatore abbandona il piedistallo e sceglie di osservare il conflitto, trasformando la classe in un laboratorio di realtà.

Vincitore della Palma d’Oro a Cannes nel 2008, il film La Classe - Entre les murs di Laurent Cantet è un capolavoro di cinema-verità. Racconta un intero anno scolastico dal punto di vista di un insegnante, interpretato da Francois Begaudeau, autore del romanzo semi-autobiografico da cui è tratto il film. Francois è un insegnante di lettere in una classe con ragazzi di diverse estrazioni sociali e diversi background culturali ed etnici. Dalle lezioni di grammatica e di letteratura si passa a uno spaccato della vita degli adolescenti, che parlano in modo colloquiale e sboccato, e che hanno ansie che precludono dalla scuola. François cerca di districarsi tra le complesse dinamiche dei suoi studenti: la classe rappresenta in piccolo quella che è la società francese in grande, dove sono già presenti tensioni razziali, pregiudizi e dinamiche di potere. L’unico strumento del professore è il dialogo: attraverso lo scambio di opinioni e pensieri, cercherà di creare un clima il più possibile comprensivo, in cui le differenze non possono appianarsi ma non devono per forza rappresentare un attrito.  Qui la tecnica cinematografica si fa invisibile: la camera a mano si muove tra i banchi come se fosse uno degli studenti, catturando l’energia nervosa degli adolescenti. Il protagonista, François, non è un eroe, ma un mediatore che usa l’unico strumento a sua disposizione: il dialogo. La regia di Cantet trasforma l’aula in un microcosmo della società francese, dove le lezioni di grammatica diventano il terreno di scontro tra pregiudizi e identità. Tecnicamente, il film lavora sulla profondità di campo e sui tempi lunghi delle inquadrature per mostrarci che educare non è trasmettere nozioni, ma gestire l’attrito costante tra mondi diversi.

Questa immagine tratta dal film ti ricorda qualcosa?
Sì, esatto! Si tratta dello still che abbiamo scelto come cover del nostro libro Cinema di Classe. Per una pedagogia dell'audiovisivo

C'è un pregiudizio che spesso accompagna il formato breve: l'idea che sia un allenamento per il lungometraggio, o un suo riassunto. Playing God, cortometraggio recentemente candidato agli Oscar, smentisce questa visione e si pone quale esempio efficace di come il formato breve possa oggi intercettare alcune delle tensioni più vive del cinema contemporaneo: in pochi minuti, il film riesce a costruire un mondo narrativo riconoscibile, un conflitto morale dalla forte identità visiva, senza mai dare l’impressione di essere un riassunto; al contrario, sembra nascere precisamente della misura che adotta, come se la sua forza dipendesse proprio dalla concentrazione.  In pochi minuti, il film non si limita a raccontare una storia, ma costruisce un’identità visiva e un conflitto morale così densi da risultare indimenticabili. La sua forza risiede proprio nella misura: non è un’opera ridotta, è un’opera concentrata.